Down From The Mountain - Critique du DVD

• Mai 19, 2024

En 2000, un film intitulé O Brother Where Art Thou?, Des cinéastes Joel et Ethan Coen, est devenu un succès à succès. Sa bande originale primée aux Grammy Awards a inspiré une résurgence de la popularité de la musique roots américaine.

Le film a été suivi d'un concert bénéfice appelé Down From The Mountain, qui a présenté la plupart des musiciens qui ont enregistré ces chansons. Le concert a eu lieu au Ryman Auditorium à Nashville, Tennessee (qui était le Grand Ole Opry d'origine), le 24 mai 2000, pour lever des fonds pour le nouveau Country Music Hall of Fame and Museum.

Le DVD Down From The Mountain est un documentaire du concert, avec des chansons de ce film et quelques ajouts. Il contient du bluegrass, du gospel, du country, du blues et du folk vraiment inspirés et excellents, une corne d'abondance de la musique ancienne. Je le recommande vivement à tous les musiciens et chanteurs.

Cinéaste documentaire D.A. Pennebaker, a enregistré le spectacle, et il a été produit par le musicien de blues, T. Bone Burnett, qui a également produit la bande originale de O Brother Where Art Thou, et des albums d'autres artistes populaires. Les directeurs étaient D. A. Pennebaker, Chris Hegedus et Nick Doob.

Mélangé avec les performances musicales, il y a des répétitions, des interviews et des moments francs dans les coulisses. Les artistes semblent tous être de bonne humeur, des gens agréables à côtoyer. Leur amour et leur appréciation pour leurs traditions culturelles sont magnifiquement transmis.

Les effets spéciaux flashy et les transitions générées par ordinateur sont particulièrement absents. Les musiciens portent une tenue plutôt informelle. Il n'y a pas de bling. La musicalité et le talent vocal se distinguent par leurs propres mérites.

Ce concert a eu lieu avant la sortie du film, donc personne ne savait l'immense popularité que la musique allait apprécier.

Soundperson & micros
L'ingénieur FOH (ingénieur du son Front Of House, c'est-à-dire le son), Bernie Velluti, a remporté le Tour TEC Production Production Award de Mix Magazine pour Creative Achievement. Il fournit le son pour Alison Krauss et son groupe, Union Station, ainsi que d'autres musiciens de renom.

La qualité sonore est excellente. Les voix et les instruments des interprètes sont limpides et riches.

Seuls quelques micros sont sur scène. Comme c'était le cas dans les temps anciens, les musiciens se sont regroupés autour des micros, et quiconque chantait le plomb ou prenait un solo se rapprocherait tandis que les autres reculeraient. Ils devaient jouer et chanter dans un ou quelques micros et garder l'équilibre. Faire cela avec succès nécessite des répétitions, un bon travail d'équipe de soutien, une sensibilité fine et le soin du résultat.

L'AP devait également être configuré avec grand soin pour obtenir un si bon son. Toutes les salles de spectacle ont leur propre acoustique, surfaces réfléchissantes, etc. La façon dont les niveaux des composants PA sont ajustés, ainsi que les positions précises des haut-parleurs, des microphones et des musiciens, font tous une grande différence.

Selon une interview dans Shure Notes (voir lien ci-dessous), Bernie Vellutti a déclaré qu'ils avaient initialement l'intention de n'utiliser que cinq micros à condensateur vintage, les Neumann U47 et U87. Mais il y avait des problèmes sonores avec ceux-ci, ils ont donc également ajouté des Shure KSM32, KSM44, KSM137 et KSM27. Pour jouer ce genre de musique, il recommande les micros à condensateur, pour leur chaleur, leurs détails et leur capacité à capter votre son plus loin.

Je n'ai pas vu d'écouteurs intra-auriculaires sur la vidéo, mais j'ai lu qu'ils étaient utilisés lors de la tournée qui a suivi. Cela peut résoudre efficacement la plupart des défis liés à la prévention des commentaires.

L'audio du DVD est enregistré en Dolby 5.1, et la qualité sonore et le mixage stéréo sont très bons. Vous pouvez entendre magnifiquement chaque voix et instrument.

Quelques faits saillants
Alors que la caméra montre des scènes du voyage des montagnes à la ville de Nashville, la première voix que vous entendez est le fort ténor expressif clair de Ralph Stanley sur sa version originale de "Man Of Constant Sorrow".

L'animateur / animateur est John Hartford, multi-instrumentiste et auteur-compositeur (y compris le quadruple Grammy Award "Gentle On My Mind"). Il est réputé pour sa musique innovante et son folk traditionnel et bluegrass, et également bien connu pour son humour plein d'esprit.

On lui montre parfois des histoires en pilotant un bateau sur le Mississippi, ce qu'il aimait faire et considérait sa véritable vocation.

John Hartford est décédé d'un lymphome non hodgkinien le 4 juin 2001, avant la publication de Down From The Mountain. Ce concert était sa dernière performance filmée. À cette occasion, il a été présenté au violon et au chant. Il jouait parfaitement de son violon et chantait avec clarté et chaleur.

Il a interprété le "Big Rock Candy Mountain", rebelle et fantaisiste, au chant et au violon, avec Mike Compton à la mandoline, Chris Sharp à la guitare et Larry Perkins à la basse.Plus tard, il raconte l'histoire drôle d'une chanson, «Shove That Hog’s Foot Further In The Bed», puis la joue avec le même grand groupe, en utilisant un style de violon pincé en sourdine pendant le chant, puis en échangeant des solos animés avec les autres musiciens.

Les Fairfield Four, chanteurs de gospel a cappella, interprètent «Lonesome Valley» en répétition, avec des voix riches et étonnantes et des notes basses réverbérantes. Curieusement, il y a cinq membres. Plus tard, ils interprètent «Po Lazarus» sur scène. Avec 3 ou peut-être 4 micros en position, ils semblaient être regroupés autour de seulement 2. Les chanteurs contrôlent le mixage, car ils entrelacent et plient les notes avec habileté, mélangeant les voix et les pédales, restant précisément dans la hauteur sans référence instrumentale.

Le Nashville Bluegrass Band était excellent en tant que groupe de soutien pour de nombreux artistes. Le jeu de mandoline fine de Mike Compton a été présenté sur de nombreuses chansons.

Mes mélanges vocaux, harmonies et tiraillements préférés (dans un concert plein de douceur et d'habileté vocale incroyables) sont Alison Krauss et Dan Tyminski chantant «Blue & Lonesome», avec le groupe Union Station, et Mike Compton à la mandoline. Celui-ci m'a ému aux larmes d'appréciation.

Emmylou Harris, Gillian Welch et Alison Krauss s'associent pour de belles et émouvantes harmonies dans la sensuelle «Didn’t Leave Nobody But The Baby», une chanson écrite pour le film que Gillian décrit comme une «berceuse combinée et un hurleur de champ». Bien qu'elle ait la voix la plus basse des trois, Gillian raconte à quel point les deux sopranos ont apprécié de lui attribuer la partie la plus élevée de cette chanson. Ils sonnent tous très bien là-dessus.

Plus tard dans le spectacle, Alison Krauss chante le rôle principal dans «Down In The River To Pray», soutenu avec goût par les harmonies émouvantes du First Baptist Church Choir de la Maison Blanche, Tennessee, en commençant par un ronflement subtil et en augmentant la force dans chaque chœur.

John Hartford présente Chris Thomas King et Colin Linden avec des blagues sur la gravité de leur dépression. Ce sont des musiciens de blues accomplis. On les voit d'abord répéter «Delta Blues». Chris a des paroles écrites sur la main au cas où il oublie. Ils interprètent «John Law Burned Down The Liquor Sto» au chant et à la guitare à résonateur de diapositives. Chris Thomas King a également joué le guitariste de blues qui a fait équipe avec les Soggy Bottom Boys dans le film.

La famille Cox a joué avec un chant très doux et émouvant et des harmonies serrées. Les flottements et les notes pures de Suzanne sont très émotifs, combinés avec les paroles tristes de "I am Weary, (Let Me Rest)". Les membres du groupe se regardent tous attentivement pendant qu'ils changent de tempo et gardent leur phrasé serré. Suzanne se démarque à nouveau sur «Y aura-t-il des étoiles dans ma couronne?».

Les Peasall Sisters, qui ont figuré dans le film en tant qu'enfants de George Clooney, sont vues en répétition avec T. Bone Burnett et sur scène dans "In the Highways". Ils sont assez attachants, bien que (ou peut-être en partie parce que) le ton des deux jeunes filles a un peu erré. Comme John Hartford a plaisanté "Ils peuvent chanter à plat".

The Whites, un autre groupe familial aux harmonies fines, interprète le classique "Keep On The Sunny Side" avec son message positif (peut-être l'une des premières chansons américaines sur l'application de la loi de l'attraction)

Ralph Stanley commence à clore le spectacle en chantant de façon obsédante «O Death», a cappella. Et puis il y a la grande finale "Angel Band" jouée par l'ensemble du casting.

La représentation entraînante de Dan Tyminski de "Man Of Constant Sorrow" (que George Clooney a synchronisé avec les lèvres dans O Brother Where Art Though) n'est pas incluse. Il a expliqué plus tard qu'il avait du mal à se souvenir des mots, et à l'époque ils pensaient que ce n'était pas très important. Ils n'avaient aucune idée que cela deviendrait assez populaire pour être la «chanson de l'année».

Quelques petits reproches - j'aurais aimé voir les sous-titres avec les noms des musiciens et des chansons tels qu'ils sont apparus. Ce serait bien si vous pouviez rechercher et sélectionner des chansons individuelles. Parfois, une bonne chanson est interrompue pour montrer des moments en coulisses. J'aurais préféré les voir complets.

Le concert révèle que la musique traditionnelle d'autrefois est toujours florissante et riche, et si vous regardez, vous comprendrez pourquoi et serez satisfait.

Entretien avec Bernie Velluti sur la production sonore

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